ELOGIO DA LOUCURA : UMA ENVOLVENTE PERFORMANCE NO ENTREMEIO DE QUESTIONAMENTOS À SUA RELEITURA DRAMATÚRGICA

Elogio da Loucura. De Erasmo de Rotterdam.  Eduardo Figueiredo/Leona Cavalli/ Versão Dramatúrgica. Eduardo Figueiredo/Direção. Junho/2026. Annelize Tozetto/Fotos.

Elogio da Loucura, original de 1509, é um dos mais viscerais textos literários já escritos entre o final da Idade Média e o início da Renascença. Sua composição se deve ao teólogo e filósofo Erasmo de Rotterdam, durante apenas quatro dias passados numa visita ao seu amigo Sir Thomas More, em Londres.

Onde ele transmuta todo rigorismo da fé cristã numa precursora visão humanista, indo além de seu dimensionamento meramente religioso, para o alcance de um ideário político de valorização do pensamento e da própria condição humana. Propugnando o livre arbítrio em época dominada por um  Teocentrismo absoluto.

Numa pulsão de avanços político-ideológicos que fizeram com que O Elogio da Loucura se tornasse portador de mensagem mais que oportuna aos tempos da contemporaneidade, incluindo os avanços, em sua  ideia original, a favor de uma futura comunidade europeia.

Mas a loucura titular da obra não significa a doença mental que pode acometer qualquer um de nós, mas vem do latim e do grego pela denominação original  do livro  - Morias Encomium - sendo utilizado o vocábulo por uma aliteração verbal do sobrenome de Thomas More como um tributo de Erasmo ao grande pensador.

Elogio da Loucura. De Erasmo de Rotterdam.  Eduardo Figueiredo/Leona Cavalli/ Versão Dramatúrgica. Eduardo Figueiredo/Direção. Junho/2026. Annelize Tozetto/Fotos.

Simbolizando ali, sob um teor crítico, a falsa sabedoria, a vaidade, a hipocrisia comportamental, seja esta religiosa quanto político-social, em sua época e no reflexo especular para o hoje. Em caráter especial, do expansionismo enganador dos regimes teocráticos à recessão de grande parte das comunidades auto tituladas como fiéis propagadoras do Evangelho.

Sem deixar de lembrar que este avassalador domínio ideológico corrompe, com seus mecanismos de insensato convencimento, sempre sob uma sombria catarse, por intermédio de ilusórias vantagens materiais e espirituais sobre mentes e corações, inclusive apregoadas pela incontrolável hipnose das plataformas digitais.

Com o justo propósito de desafiar este estado de coisas, levar ao palco as instigantes ideias de Erasmo de Rotterdam, é sem dúvida necessário como elemento conscientizador de uma tomada de posição, pelo sarcasmo irônico de um humor inteligente pensado para provocar atitudes.

Aí entram em cena elementos catalizadores da encenação, idealizada em processo criador e dramatúrgico dúplice reunindo a atriz Leona Cavalli, um dos nomes mais referenciais do atual teatro paulista, e o conhecido produtor/diretor Eduardo Figueiredo para  uma primeira versão brasileira de O Elogio da Loucura.

Onde todo o processo de criação é direcionado a uma montagem que torne acessível sua clássica linguagem textual em contagiante fluidez palco-plateia. Concorrendo para isto também, os vistosos elementos cenográficos e indumentários (Paula Mares, Kelly Siqueira, Mariana Baffa), os vazados efeitos luminares (Gabriele Souza), mais a envolvência de sua movimentação gestual (Roberto Alencar) sob acordes  diferenciais de uma  trilha instrumental ao vivo (violoncelo e percussão) .

Tudo, enfim, convergindo para favorecer uma completa representação a começar da espontaneidade de uma performance, outra vez  com a força presencial irradiante  de Leona Cavalli, metaforicamente no papel da Loucura, sabendo conduzir  seu personagem com convicta autenticidade .

Numa releitura tragicômica que acaba, vez por outra, mostrando desacertos em sua direção concepcional, decorrentes dos confrontos de marcações dramáticas com subliminar sotaque de exageros e improvisos, para uma criação teatral que se propõe ser fiel ao texto. Idealizada, bem a propósito, não apenas para divertir mas, antes de tudo, para fazer refletir ...

 

                                          Wagner Corrêa de Araújo

Elogio da Loucura, depois de varias turnês nacionais, chegou finalmente aos palcos cariocas, em temporada, maio/junho, quinta a sábado, 19h; domingo ás 18, no Teatro II, do CCBB/RJ.

COMPAÑIA ANTONIO GADES/BODAS DE SANGRE/SUITE FLAMENCA : EMBLEMÁTICA TRANSMUTAÇÃO DA ESTÉTICA FLAMENCA EM TEATRO COREOGRÁFICO

Compañia Antonio Gades. Bodas de Sangre. Antonio Gades/Coreografia. Junho/2026. Roberto Ricci/ Fotos.

Uma dança em compasso de sangue e paixão, sob sonoridades, cores e ritmos vibrantes, como prevalentes caracteres deste gênero coreográfico, cultivado em compasso ancestral de bases folclóricas, assim é o Flamenco projetando o que há de mais  fundo e autêntico na cultura espanhola.

Expressão potencial da alma e do povo andaluz representou, na obra dramática e na poesia de Federico Garcia Lorca, o grande ideário de inicializador do empenho pelo seu reconhecimento,  como  uma máxima  manifestação da criação artística espanhola em âmbito universal.

E que através de nomes coreográficos exponenciais, indo de Paco de Ronda, Elvira Real, Carmen Amayo, José Greco, passando pelas irmãs La Argentinita e Pilar Lopez, chega ao mais emblemático entre todos eles - Antonio Gades.  Que estendeu sua fama não só por intermédio de seus balés, mas com sua parceria nas versões cinematográficas por Carlos Saura da trilogia flamenca – Bodas de Sangre, Carmen e El Amor Brujo.

Através de Pilar Lopez e sua Cia, em temporada no Palácio das Artes (BH) nos anos 70, tive o raro privilegio em conversas, entrevista e uma esclarecedora correspondência, de saber detalhes sobre as trupes teatrais/coreográficas de Garcia Lorca em que sua irmã La Argentinita  participava. Sabendo sobre detalhes curiosos como tudo começou na trajetória de Antonio Gades, convidado por Pilar Lopez a integrar sua Cia de dança flamenca, passando este a denominá-la de “a minha mestra”.

Compañia Antonio Gades. Bodas de Sangre. Antonio Gades/Coreografia. Junho/2026. Roberto Ricci/ Fotos.

Incentivado por Pilar, em anos posteriores, nunca deixaria de acompanhar as turnês brasileiras da Compañia Antonio Gades, incluindo os ensaios além do espetáculo, extensivos a conversas, comentários críticos e entrevistas com Gades.

Como acontece agora, ao assistir outra vez a Compañia Antonio Gades, mesmo sem sua emblemática presença, desde a morte em 2004 no auge de sua trajetória,  mas primordialmente conservando seu qualitativo legado, pela direção artística de Stella Arauzo,  em espetáculo que reune dois clássicos de seu repertório coreográfico - Bodas de Sangre e a Suite Flamenca.

Inspirada pela peça de Federico Garcia Lorca, Bodas de Sangre em leitura coreográfica, estreou há mais de meio século, em 1974, e sua repercussão se tornaria maior ainda com o filme de Carlos Saura, de 1981, conceituado o balé então como uma história espanhola, numa tragédia imbuída de folclore.

Bodas de Sangre, a peça original escrita por Garcia Lorca é de 1933, incluindo a sua dramaturgia, em prosa e verso, música, dança e mímica. Onde a versão coreográfica de Antonio Gades, com uma duração de cerca de 40 minutos, sintetiza a narrativa em cenas básicas, marcadas por um assumido minimalismo cenográfico extensivo a uma discricionária coreografia. Privilegiando um emotivo e dramático gestualismo que se estende às expressões faciais nas atuações protagonistas, com energia e estilo nas cenas de conjunto.

Prevalecendo sombras entre círculos de claridades, mantidos os efeitos luminares do próprio Antonio Gades, mais os figurinos típicos provincianos, entre o sotaque camponês cotidiano e cerimonial nas núpcias (em dúplice concepção por Francisco Nieva). Além de uma envolvente trilha musical (Emilio de Diego) priorizando sonoridades flamencas em guitarras e sapateados.

Coesivas formações grupais com instrumentistas ao vivo, acordes da guitarra, reverberando em sete ritmos flamencos entre bulerias, tanguillos e soleares (estes usando a concepção coreográfica de Cristina Hoyos). E  cantos lamentosos de monocórdios vocais, sob acordes vibrantes e pés percussivos, nas rodas populares, integrando a energizada Suite Flamenca, de 1968, uma das primeiras criações de Gades.

Não podendo deixar de conferir um destaque, mais que especial, por sua  transcendência simbólica ao epílogo de Bodas de Sangre, no confronto do enfrentamento de vida e de morte, entre o noivo (Joaquin Mulero), a noiva (Cristina Carnero) e seu amante (Angel Gil), na diferencial perspectiva estética de paralelas interpretações miméticas.

Em que o único ruído é o da estocada simultânea sequenciada pela queda mortal dos dois rivais, irradiando-se na força psicofísica da bailarina Cristina Carnero e na  consistência dos dois bailarinos  numa carismática performance de teatro coreográfico, resumida nas próprias palavras de Antonio Gades: “Esta luta foi a coisa mais difícil que já fiz em minha vida”...

 

                                               Wagner Corrêa de Araújo

Compañia Antonio Gades. Suite Flamenca. Antonio Gades/ Cristina Hoyos / Coreografia. Clarissa Lapolla/Fotos.

Cia Antonio Gades, com Bodas de Sangre e Suite Flamenca, depois do TMRJ, encerra sua turnê brasileira no Teatro Bradesco/SP, dias 23 e 24 de junho, como parte da Temporada Dellarte de Dança 2026.

SÃO PAULO COMPANHIA DE DANÇA - COMO QUEM SONHA : SENSITIVO INVENTÁRIO GESTUAL SOBRE A PASSAGEM DO TEMPO

O Som da Chuva. São Paulo Companhia de Dança. Joëlle Bouvier/Coreógrafa. Junho/2026. Iari Davies/Fotos.

Cada uma das temporadas anuais da São Paulo Companhia de Dança é titulada a partir de reflexivos conceituais inspirados por temas filosóficos e literários, em ideário estético de sua criadora e diretora artística Inês Bogéa, numa trajetória que envolve a base clássica e os avanços da contemporaneidade coreográfica.

E assim, para o ano de 2026, a denominação Como Quem Sonha partiu de um belo pensamento poético da escritora Hilda Hilst - “Fazei com que eu me mova como quem sonha”. Sob dois referenciais programas elucidativos de duas épocas na história da dança.

O primeiro deles com uma releitura do argentino Mario Galizzi do clássico dos clássicos O Lago dos Cisnes, a partir de Petipa/Ivanov, direcionada em caráter exclusivo para a SPCD. E o segundo reunindo três obras coreográficas, começando por uma das mais celebradas criações de Jirí Kylian -Indigo Rose, tornada assim a terceira do mesmo autor apresentada na SPCD.

Completando-se a representação com uma das concepções autorais de um revelador nome da última geração da dança brasileira - Cassi Abranches - reapresentando o seu balé Agora, o  terceiro dedicado à SPCD.  Ex integrante-bailarina do Grupo Corpo que, após uma bem sucedida passagem por outras Cias neste oficio inventor, tornou-se novamente parte da Cia mineira, atuando ali como assistente coreográfica de Rodrigo Pederneiras.

E, como de hábito, a SPCD traz outra criação pensada para a Cia, a inédita O Som da Chuva, segunda das incursões, ali, da coreógrafa francesa de ascendência belga - Joëlle Bouvier, depois de Odisseia, 2018, destacando-se, em parceria artística com Régie Obadia, no panorama da Nouvelle Danse francesa.

Indigo Rose/ São Paulo Companhia de Dança. Jiri Kylián/Coreógrafo. Junho/2026. Willian Aguiar/Fotos.

O tcheco Jiri Kylián é um dos mais brilhantes nomes da dança contemporânea entre o final da segunda metade do século XX e as duas décadas iniciais do terceiro milênio, sempre com obras marcadas tanto pelo rigor técnico como pela ousadia de seu vocabulário coreográfico.

Indigo Rose, de 1991, é uma de suas composições mais diferenciais, não só pela conexão de linguagens coreográficas como por seu teor de simbólico expressionismo ao abordar a instantaneidade das transições existenciais a partir dos anos da juventude.

Conceitualizada com um olhar focado na jovial fisicalidade de bailarinos entregues a jogos energizados por  uma corporeidade imersa numa ambiência de fantasia no entremeio de um clima cinético. Impressionando pela força que é imprimida especialmente pela nova geração de bailarinos  no atual elenco da SPCD.

Onde a caixa cênica é atravessada por raios luminares incidindo sobre uma faixa central de seda, enquanto provocam pictórico efeito de um teatro coreográfico de sombras, ampliado por uma trilha que vai de efeitos eletrônicos a John Cage, passando por Bach e Couperin.

Recorrendo à temporalidade memorial, o segmento  Agora, de Cassis Abranches,  propõe um inventário, mais abstrato que propriamente narrativo, sobre as incursões físico/emotivas de uma personagem feminina secular que vê desfilar diante de seus olhos a completude de sua  trajetória existencial. Numa fisicalidade em movimento pelo espaço cênico, como se a exposição dos corpos dos bailarinos fosse direcionada por inventivos efeitos video-gráficos de uma ilha de edição.

O que é refletido especularmente como um dos sotaques cinéticos/cênicos da criação coreográfica de Joelle Bouvier estabelecendo liames entre suas duas obras na SPCD - Odisséia, de 2018, e esta última - O Som da Chuva - sinalizada, metaforicamente, sobre o sentido prevalente do universo do  amor em ângulo  feminino.

Paralelo à circularidade de uma temática que envolve as forças da natureza simbolizando as mutações dos relacionamentos através de uma trilha (Lucas Varin) de acordes sonoros que remetem a ventos e tempestades ao lado de temas melódicos amorosos, incluída a brasilidade musical de Manhã de Carnaval.

Ressaltando a magia de elementos cenográficos, como os figurinos (Fabio Namatame), balões e um ancestral gramofone, a concepção de O Som da Chuva, por suas nuances estéticas de uma surpreendente performance coreográfica, plena de fluência técnica-emotiva,  transmutando-se em valioso legado da SPCD para o acervo antológico da dança contemporânea em âmbito mundial...

 

                                            Wagner Corrêa de Araújo

    Agora/São Paulo Cia de Dança. Cassis Abranches/ Coreografia. Junho/2026. Charles Lima/Fotos.

Abertura da Temporada 2026 da São Paulo Companhia de Dança, de 04 a 14 de Junho, no Teatro Sérgio Cardoso, seguindo em turnês nacionais e internacionais.

REMIX/COMPANHIA DE DANÇA DEBORAH COLKER : TRÊS DÉCADAS SOB O PROCESSO INVESTIGATIVO DA RELAÇÃO MOVIMENTO-ESPAÇO

 

Remix/Companhia de Dança Deborah Colker. Deborah Colker/Direção Coreográfica. Junho/2026. Flávio Colker/Fotos.

Em 1994, numa época que refletia a perspectiva de novos tempos para a dança contemporânea em moldes brasileiros, a estreia de Vulcão lançava as bases estético-coreográficas da Deborah Colker Cia de Dança.    Trinta  e dois anos após, seu mais novo espetáculo - Remix -torna-se, assim, um simbólico tributo especular àquela data. 

Onde começava um processo de busca inventiva a partir das relações movimento-espaço, conectando a técnica clássica e contemporânea, no simbiótico uso de elementos diversos indo da energizada dança de rua à pulsão da ginástica olímpica, junto ao desafio da acrobacia com seu referencial circense.

Tornando-se esta  tendência uma marca característica das primeiras e das sequenciais obras da coreógrafa sinalizadas por caracteres psicofísicos - destreza, energia, precisão, paixão. Valioso legado de Deborah Colker em sua longa trajetória no ofício de decifração da corporeidade em movimento como manifestação artística.

Remix/Companhia de Dança Deborah Colker. Deborah Colker/Direção Coreográfica. Junho/2026. Flávio Colker/Fotos.

Desde os anos 80, como integrante do Grupo Coringa, às suas inúmeras passagens como diretora de movimento de espetáculos teatrais, extensivas à sua experiência como coreógrafa de comissões de frente de conhecidas escolas de samba cariocas. Além das inúmeras turnês internacionais por mais de trinta países que a tornaram reconhecida, além fronteiras, no aplauso do público e na opinião crítica.

E mais, em épocas mais recentes, coreografando o Cirque du Soleil, as aberturas da Copa do Mundo na Alemanha,  2006 e dos Jogos Olímpicos no RJ, 2016, para culminar, entre outras missões artísticas, como diretora de ópera no Metropolitan Opera House, 2026, com “El Último Sueño de Frida y Diego”.

Em Remix, transparece uma especial seleção retrospectiva não crononológica com algumas das mais características obras coreográficas da Cia De Dança Deborah Colker, partindo de Paixão que remete à criação da sua obra inaugural - Vulcão, de 1994, conectada a Belle, de 2014.

Esta última como sua primeira recorrência à literatura, através do romance de Joseph Kessel que inspirou o filme de Louis Buñuel - La Belle de Jour. Sob uma trilha antológica de hits amorosos, os parceiros se atraem, ao mesmo tempo, demonstrando repulsa, pela gestualidade de corpos que se confundem e se afastam.

Para estabelecer uma conexão temática, em paralelos sensoriais diferentes, sobre as situações conflituantes da condição humana entre seres apaixonados, ora submissos ora reflexivos, no entremeio de desejos irreprimíveis e conflitos afirmativos entre a razão e o instinto.

As Meninas, extrato de 4x4 , de 2002, em que a própria coreógrafa Deborah, ao piano em cena, demonstra sua habilidade como concertista numa das Sonatas de Mozart, enquanto duas bailarinas exibem-se em pontas sob uma corporeidade gestual de apelo neoclássico.

Sequenciadas pelo preenchimento da caixa cênica com uma criação de exponencial plasticidade - Vasos. Em que cerca de 90 deles no ideário cenográfico de Gringo Cardia sugerem frágeis porcelanas chinesas, entre as quais os bailarinos com ousada precisão técnica e absoluta delicadeza transitam num pictórico jogo lúdico.

Ecoando ainda o conceitual estético-coreográfico de que  dança é antes de tudo uma imagem em movimento, Rota, de 1997, e confrontando a tradicional ideia de que a dança é apenas uma verticalização dos bailarinos num plano-palco horizontal, em situação oposta é a hora de Vertigem e da vez de Roda.

Aqui se desdobram uníssonos processos coreográficos inventivos, desafiando a gravidade sob energéticos levantamentos  aéreos da corporeidade em diálogo com o espaço.E avançando mais este corpo-ação ao se desprender imageticamente do solo em uma icônica roda mecânica.

Sob moto-continuo, com os acordes valsantes de Strauss do Danúbio Azul, como a circularidade dos ciclos existenciais, fazendo dançar a vida no culminante epílogo deste hipnotizante Remix...

                       

                                               Wagner Corrêa de Araújo      

Remix / Companhia de Dança Deborah Colker, realiza curta temporada no TM/RJ, dos dias 03 a 07 de junho, em horários diversos.

O TALENTOSO RIPLEY : SOB A PECULIAR VERSÃO DRAMATÚRGICA DE UM THRILLER PSICOLÓGICO, AGORA EM PALCOS BRASILEIROS

 

    O Talentoso Ripley. Phyllis Nagy/Dramaturgia. Hugo Bonèmer / Direção Concepcional/Performance Maio/2026. Peter Wrede e outros/Fotos.

Depois da releitura cinematográfica em 1999, O Talentoso Ripley, romance de Patricia Highsmith, publicado em 1955, e também de uma série televisiva de sucesso, alcança, agora, sua primeira versão brasileira para os palcos, a partir da original adaptação dramatúrgica de Phyllis Nagy.

Retomada pelo ideário do ator Hugo Bonèmer que, além da direção concepcional, contando com a parceria de Kamilla Rufino, assume o papel titular, estendendo sua atuação  à cenografia, com diferenciais dimensionamentos no entorno de outros aspectos tecno-artísticos desta montagem.

Em espetáculo integrado por um elenco reunindo nomes de duas gerações, a saber, Cássio Pandolfh, Francisco Paz, Guihermina Libanio, João Fernandes, Laura Gabriela e Tom Nader, em sua quase maioria, alternando-se em diferentes personagens.

A trama revela um jovem nova-iorquino Tom Ripley, inseguro em suas escolhas existenciais, oscilando entre mostrar-se independente, face à sua instável situação psicológica e material, não só através de pequenos golpes financeiros como por um falseado comportamento disfarçado por mentiras.

O Talentoso Ripley. Phyllis Nagy/Dramaturgia. Hugo Bonèmer / Direção Concepcional/Performance Maio/2026. Peter Wrede e outros/Fotos.

Até quando, por um destes acasos do destino, se depara com um estranho personagem Herbert que pede a Tom Ripley, sob várias benesses financeiras, que vá até a Itália em busca do filho Rickie que o deixou sem nunca dar quaisquer noticias. O convencido Ripley acabando, finalmente, por encontrá-lo, vivendo lá como um socialite.

O que outra vez provoca uma transmutação na sua instável personalidade, fascinado pelo glamour italiano e pela vontade de se tornar o outro diante de tantas mordomias, radicalizando seu anseio pelo falseamento identitário, sequenciado por ato homicida.

A caixa cênica (na concepção de Hugo Bonèmer) sendo ocupada por elementos materiais que, em seu conceitual estético-minimalista, trazem um  simbólico referencial, de conotações variáveis segundo a decifração de cada espectador, diante das mutações psico-ambientais de espaço e tempo.

Instauradas  pela prevalente representação presencial, quase num sotaque monologal, por intermédio dos solilóquios do personagem protagonista e no apelo confessional de suas falas. Que se expandem numa formatação de questionamentos verbais direcionados aos espectadores, aos quais se dirige em todas as suas passagens cênicas.

Acentuando-se este clima pelas tonalidades emotivas recíprocas - espaço cênico/plateia - propiciadas pelos efeitos luminares (Renato Machado), incidindo sobre as indumentárias cotidianas (Sergio Medina Paranhos e Joe Nicolay), enquanto contrastam pelo voyeurismo incitado no desnudamento completo do protagonista, em  metafórica representação de um trajeto aquático.

A trilha sonora (Tauã de Lorena e Laura Gabriela) é  conduzida através de acordes sutis como um leitmotiv pontuando, de um lado o caráter imersivo, ao mesmo tempo em que caracteriza a atmosfera de suspense de um thriller psicológico.

A duplicidade performática dos outros atores em personificações absolutamente opostas, por vezes, aparenta certa fragilidade na sua representação, o que se torna subliminarmente perceptível pela concentração exclusiva do olhar armado de cada espectador  no protagonista titular.

O Tom Ripley, aqui apresentado por seu intérprete Hugo Bonèmer, sabendo  como bem conduzir os difíceis enfrentamentos na decifração do instigante enigma de um jogo  entre a verdade e a mentira, através da carismática inserção dos contornos distorcidos do  seu personagem na atenção interativa com o público.

Para um espetáculo marcado por um dimensionamento narrativo fragmentário, destacam-se o empenho da convicta direção e o fascínio da performance concepcional imprimidas por Hugo Bonèmer, para uma proposta estético-dramatúrgica em compasso de um meta teatro.

Revelando, sobretudo, consistente competência artesanal no favorecimento de uma arrojada representação, capaz tanto de entreter como de perturbar o público, sem nunca deixar de lado suas intenções críticas...

 

                                       Wagner Corrêa de Araújo

 

Após o Teatro Gláucio Gill e a Casa de Cultura Laura Alvim, “O Talentoso Ripley” retorna em sua terceira e instantânea temporada, agora na Sede da Cia dos Atores/Escadaria Selarón/Lapa, com sessões nos dias 5, 6, 7, 12 e 15 de junho, sempre às 19h.

FOCUS CIA DE DANÇA REESTREIA CINEQUANON : ENVOLVENTE CONEXÃO ENTRE DUAS LINGUAGENS ARTÍSTICAS - A DANÇA E O CINEMA

Cinequanon/Focus Cia de Dança. Alex Neoral/Concepção Coreográfica/Direcional. Maio/2026. Rafael Catarcione/Fotos.

 

A imagem-movimento e a imagem-tempo, conceitualizadas por Gilles Deleuze em seus estudos sobre o “cinema do corpo”  repercutem, na contemporaneidade,  a estreita relação entre a dança e o cinema.

Desde a inicialização cinematográfica, com suas primitivas experimentações de uma fotografia em “real motion” nas Serpentines Dances (inspiradas pela coreógrafa/bailarina Loïe Fuller) até a ousada animação do Pas de Deux, de Norman McLaren (1968).

Sem esquecer as primeiras interferências fílmicas nos anos vinte do Ballet Mécanique  (Fernand Léger) ao Entr’acte (René Clair) além do ballet dadaísta Relâche  de Francis Picabia. E, mais tarde, nos efeitos/cinema, da concepção coreográfica/teatral de Pina Bausch ao mix de takes reais e digitais nas criações da vídeo/dança.

Numa singular proposta de inversão da tela para o palco, a recente reestreia de uma criação de 2016, da Focus Cia de Dança, através de seu criador/mor Alex Neoral, ressignifica a expressão latina da essencialidade no substitutivo vocabular de “sine” para  a titularidade do seu Cinequanon.

Cinequanon/Focus Cia de Dança. Alex Neoral/Concepção Coreográfica/Direcional. Maio/2026. Rafael Catarcione/Fotos.

 

Com seu referencial ao cinema por gêneros, figurinos, trilhas, cenas, títulos, o espetáculo transforma o palco numa tela viva. E, assim, impulsiona uma trajetória do olhar entre o sensorial onírico e a percepção imagética-sonora dos elementos técnicos, oriundos de uma câmera metafórica em percurso coreográfico.

Na sua retomada documental fílmica que na primeira versão, às vezes, por um excesso de frases (coreo)cinéticas confundia  a apreensão do écran mental de cada espectador, Cinequanon, mantendo suas linhas estéticas básicas, concretiza, por outro lado, uma inusitada experiência de filme cênico/performático.

Onde se destaca a presencial fisicalidade dos bailarinos (Afonso Gondim /Bianca Lopes/Bruno Feliciano/Carolina de Sá/Cosme Gregory/Guilherme Nunes/ Olívia Pureza/Paloma Tauffer/ Wesley Tavares / Yasmin Mattos)  em elenco diferencial dez anos depois, mas sempre com elegante e instintiva gestualidade, na sua entrega a  um lúdico, enérgico e envolvente jogo cinético/teatral .

Uma outra geração da Focus Cia de Dança revelada,  preenchendo  com assumida consistência o espaço cênico (Márcio Jahú), completado na sintonia das texturas  dos figurinos (André Vital/Mônica Burity) com os efeitos especiais óticos induzidos por um potencial desenho de luz (Binho Schaeffer), ao lado da recriação, entre ruídos, fraseados e citações incidentais, de um amarrado score de trilhas sonoras.

Alex Neoral sabendo como bem explorar o palco com preciso sincronismo orgânico dos  códigos do cinema e da  dança, enquanto faz girar sua “câmera coreográfica” no alcance de  tomadas de ângulos diversos, da projeção de grandes closes a planos gerais interativos palco/plateia, quebrando a quarta parede em aproximativo jogo com cada espectador.

Esta incursão cinema>dança>tela>palco, propõe outras leituras numa espécie de obra aberta na decifração da decupagem de um fragmentário legado fílmico, como um balé de "planos-sequência". Podendo ser atribuído a Cinequanon, através desta proposta de peça coreográfica com referencial fílmico, um resultado dziga vertoviano de "eficaz coreografia dirigindo e mediando o olhar do espectador pela câmera".

 

                                                     Wagner Corrêa de Araújo

 

Cinequanon / Focus Cia de Dança está em cartaz no Teatro Carlos Gomes/RJ,  de quinta a domingo, às 19h; até 07 de junho.

MUDANDO DE PELE : O DESAFIO DA RESISTÊNCIA NA BUSCA DE SUA AFIRMAÇÃO COMO UMA MULHER NEGRA

Mudando de Pele. Amanda Wilkin/Dramaturgia. Yara de Novaes/Direção Concepcional. Maio/2026. Nanna Moraes/Fotos.

“Eu preferiria estar em qualquer lugar. Em qualquer outro  lugar do mundo, agora. Do que aqui”, estas são as simbólicas palavras da dramaturga britânica Amanda Wilkin, no prólogo de sua peça Shedding a Skin, de 2020.  Conceituando sua luta para afirmar-se não apenas por sua condição de negritude, como também para seu reconhecimento como dramaturga e atriz-cantora de jazz e blues, entre Londres e Nova Iorque.

Mudando de Pele, mais uma das primorosas traduções de Diego Teza, além de sua habitual descoberta e sugestão de textualidades dramatúrgicas especialmente de origem anglo-americana, teve sua estreia brasileira nos palcos cariocas, numa artesanal montagem com direção concepcional de Yara de Novaes.

Trazendo como protagonista a atriz Taís de Araújo no primeiro monólogo de sua bem sucedida carreira de quatro décadas, pela televisão, cinema e teatro brasileiro. Em espetáculo que tem ainda a participação de Ivy Souza na assistência de direção, além de uma trilha sonora ao vivo com Layla e Dani Nega, esta última acumulando a direção musical.

Onde a dramaturgia mostra as passagens de sua personagem titular, uma mulher negra com cerca de trinta e poucos anos -  Mayah (Taís Araújo) -  enfrentando todas os dissabores causados pelo acirrado preconceito racial, desde que abandona a ambiência familiar em busca de seu próprio destino.

Mudando de Pele. Amanda Wilkin/Dramaturgia. Yara de Novaes/Direção Concepcional. Maio/2026. Nanna Moraes/Fotos.

Recém saída de um relacionamento amoroso controverso pede demissão no emprego corporativo após uma manifestação hipócrita de sua chefia pró diversidade, expondo-a ao ridículo num sessão de fotografias entre funcionários brancos.

Até oferecer-se como inquilina para uma velha senhora jamaicana Mildred acabando por se afeiçoar a ela, uma espécie de líder comunitária num agitado prédio de vários andares, com alcance de uma confiança absoluta que de início parecia-lhe impossível.

Em aparente demonstração autoritária da outra geração mas que, no encontro identitário de um legado negro mestiço, cria comovente empatia entre elas. Fazendo de Mayah uma outra mulher, ao superar as desilusões do passado, direcionada a uma nova perspectiva existencial.

Pela autoridade cênica de Yara de Novaes vão se tornando esclarecedores todos os consistentes artifícios para sugestionar uma metamorfose na vida excluída de  tantos imigrantes de cor, como estas duas personagens, ambas assumidas pela mesma atriz.

A começar de um diferencial figurino (Teresa Nabuco) que, dos adereços de uma plasticidade em diversas camadas, vai se decompondo numa perceptível leveza, na proporção em que as coisas vão se transmutando. O que se estende ao sotaque minimalista da caixa cênica (André Cortez) frontalizada por uma abstrata paisagem, mais uma simples cama, mesa e cadeiras, aqui sinalizadas pela presença de duas instrumentistas incríveis  - Layla e Dani Nega.

Em sensitivas variações luminares (Gabriele Souza) vasos com plantas naturais vão trazendo novos ares, rompendo a quarta parede, enquanto envolventes acordes tradicionais de uma autêntica kora africana conectam-se a energizadas sonoridades percussivas.

O sempre cativante apelo performático que Thaís Araújo transmite palco-plateia se torna irradiante num crescendo tragicômico, entre o drama, o riso e a ironia, da melancolia ao júbilo, expandindo-se desde sua firmeza vocal à sua completa adequação psicofísica ao personagem de Mayah.

Em momento que exige um grande empenho não só em defesa da mulher negra mas da própria condição feminina, num conceito generalizado, assediada por um machismo tóxico radicalizando-se numa  onda assassina. Ampliada pela discriminação racial num meio social de arraigado conservadorismo patriarcal, fazendo desta representação de Mudando de Pele,  um instante privilegiado da representação teatral.

Ao imprimir uma lição não só com sua potencial configuração cênica-performática-musical mas, antes de tudo, sobre a importância da conexão,  entre a sabedoria de uma geração sobre a que lhe sucede, para escapar das encruzilhadas com  uma nova  pele, portadora da autoconsciência de coragem e confiança para enfrentar o difícil  suporte da condição humana...

                                               Wagner Corrêa de Araújo

Mudando de Pele está encerrando sua rápida temporada iniciada em abril, no Teatro Ginástico/Centro/RJ, domingo 24 de maio, às 17h; seguindo para São Paulo.

COMUNICADO A UMA ACADEMIA : ALEGÓRICA REFLEXÃO PERFORMÁTICA ENTRE A DOMESTICAÇÃO DE UM PRIMATA E O OFÍCIO TRANSFORMADOR DE UMA ATRIZ

 

Comunicado a uma Academia. Dramaturgia inspirada em Kafka. Cavi Borges e Patrícia Niedermeier/Direção Concepcional. Maio/2026. Cavi Borges/Fotos.

O conto original de Franz Kafka, sob o título de Comunicado a uma Academia, foi publicado em 1917 e tem inspirado versões teatrais, do circuito off Broadway aos palcos brasileiros. Neste aspecto, algumas de suas montagens se tornaram memoriais como a de Moacyr Goés em 1993, tendo como destaque o protagonismo de Ítalo Rossi.

Dando continuidade ao diferencial projeto das peças/filme, Comunicado a uma Academia, com dúplice ideário concepcional do cineasta Cavi Borges e da atriz/bailarina/cineasta Patrícia Niedermeier, realiza uma simbólica temporada na passagem dos 40 anos da Intrépida Trupe, no espaço do conceituado grupo que reinventou a estética das artes circenses em moldes brasileiros.

Contando ainda com o apoio do produtor Marcos Arzua e da valiosa parceria de Beth Martins e Vanda Jacques, integrantes-responsáveis pela Intrépida Trupe, na direção de movimentos de uma corporeidade em estado de risco, através do uso de aparelhos acrobáticos suspensos no tradicional ambiente cênico da Cia, em sua sede na Fundição Progresso.

Onde a ocupação cenográfica tem um dimensionamento mimimalista com um telão frontal onde são exibidas cenas fílmicas de obras de Stanley Kubrick a Alan Parker, em criteriosa seleção cinéfila de Cavi Borges, e uma pictórica reconstituição de uma gaiola/prisão do personagem primata que, ao escapar dali, vai se transformando num ser humano.

Comunicado a uma Academia. Dramaturgia inspirada em Kafka. Cavi Borges e Patrícia Niedermeier/Direção Concepcional. Maio/2026. Cavi Borges/Fotos.

Com progressiva substituição de uma indumentária (Márcia Pitanga) com referenciais à tipicidade de um animal da selva para vestes formalmente apropriadas ao relato acadêmico. Sempre com um sotaque discricionário, fugindo do mau gosto e da gratuidade, na figuração pictórica da burlesca metamorfose gestual de um corpo primata em corpo humano.

O personagem kafkiano, na híbrida metáfora autoral, é um ex-símio capturado e ferido por tiro deixando uma cicatriz facial que lhe confere o nome de Pedro Vermelho. Isolado numa jaula fica à mercê do adestrador se vai para o zoológico ou para o exibicionismo circense. Optando, assim, pelas sensações corpóreas do teatro de variedades, estaria mais próximo da condição humana e da sua própria libertação afirmativa como um ser civilizado.

Patrícia Niedermeier no seu papel-solo dá mais uma demonstração de seu talento múltiplo, amplificado numa ação performática como atriz-bailarina, e também como diretora ao lado de seu parceiro de vida e de arte, Cavi Borges, em tantas criações cinematográficas.

Aqui e agora, em outra das bem sucedidas peças-filme, com sua participação cênica, sem deixar de mencionar outros intérpretes em gênero que se aproxima bastante do teatro-coreográfico. Numa representação que revela, antes de tudo, um espontâneo fluxo das atitudes  criadoras à base de sólida carga inventiva.

Em que a própria trilha sonora e os efeitos luminares (na dúplice concepção de Diogo Perdigão) conecta o leitmotiv celebrado pelo filme 2001 Odisséia no Espaço,  nos acordes introdutórios de Assim Falava Zaratustra, de Richard Strauss, tornados emblemáticos na apreensão filosófica do processo evolutivo entre o homo sapiens até o que deveria ser a definitiva consciência de seu domínio superativo do comportamento regido pela bestialidade e selvageria.

Onde o equilíbrio do jogo das luzes jamais interfere em prejuízo das esclarecedoras projeções que completam tanto o significado da narrativa literária-dramatúrgica, como incentivam energizadas passagens dançantes com ritmos eletroacústicos de sotaque psicodélico, remetendo simultaneamente à tensão sensorial e a uma contagiante adesão palco-plateia.

O consistente e provocador encontro de diferentes linguagens artísticas - literatura-teatro-cinema-dança-música-circo - usa elementos oníricos e surrealistas para estabelecer um clima de ficção científica, em que o relato de um ex-primata faz dele um irônico conferencista, diante de uma plateia em que cada espectador representa os membros intelectuais desta imaginária Academia voltada às Ciências Humanas.

Numa dúplice gramática cênica plena de instintiva espontaneidade apesar de baseada num texto assumidamente retórico e reiterativo como um discurso acadêmico, as tonalidades farsescas prevalentes encontram seu contraponto crítico na fusão das cenas fílmicas com a convicta entrega de uma atriz tanto na sua vocalização teatral como no seu expressionismo gestual.

Ao mesmo tempo, Cavi Borges e Patricia Niedermeier expressam sua autoridade cênica-fílmica na transmutação de texto kafkiano sob o desafio da decifração do enigma da “metamorfose”. Podendo, pelo bravo resultado de seu ideário, compartilhar com Kafka a reflexão que serve de epílogo para o conto e a peça:

“Seja como for, no conjunto eu alcanço o que queria alcançar. Não se diga que o esforço não valeu a pena. No mais não quero nenhum julgamento dos homens, quero apenas difundir conhecimentos; faço tão somente um relatório; também aos senhores, eminentes membros da Academia, só apresentei um relatório”...

                   

                                           Wagner Corrêa de Araújo

Comunicado a uma Academia está em cartaz no Espaço Intrépida Trupe/Fundição Progresso/Lapa, aos sábados em sessão única, às 19h30; até o dia 06 de junho.

O DEUS DA CARNIFICINA : DESAFIANDO A CIVILIDADE HUMANA SOB O TRAGICOMICO SARCASMO DA DUPLA MORALIDADE

O Deus da Carnificina. Yasmina Reza/Dramaturgia. Rodrigo Portella / Direção Concepcional. Maio/2026. Annelize Tozetto / Fotos.

Desde a sua estreia experimental em Zurique, 2006, ao sucesso nos palcos da Broadway e nas telas (na versão de Roman Polanski, 2011) O Deus da Carnificina, peça da dramaturga francesa de origem argelina Yasmina Reza, vem despertando polêmicas similares à de sua criação anterior - Arte - na década de 90.

Aproximando-se do teatro do absurdo por seu enredo no sense, indo do humor sarcástico a uma referencial selvageria, para mostrar o que está por trás do comportamento dito civilizatório, especialmente da classe média alta, sempre fazendo questão de proclamar sua hipócrita superioridade no estrato social.

A própria Yasmina Reza assim os define : “Meus personagens são pessoas educadas que pretendem manter a compostura. Mas também são impulsivos, não conseguem manter as regras que impuseram a si mesmos. E é precisamente esta luta contra si mesmo que me interessa”.

Tanto Arte como O Deus da Carnificina tiveram montagens memoriais nos palcos brasileiros, sendo esta última a que volta ao cartaz, depois da premiada versão direcional de Emílio de Melo há dezesseis anos. E, agora,  é a vez  de Rodrigo Portella armar seu olhar diferencial numa representação que traz no elenco - Anna Sophia Folch, a idealizadora do projeto, Angelo Paes Leme, Karina Teles, e Thelmo Fernandes.

O Deus da Carnificina. Yasmina Reza/Dramaturgia. Rodrigo Portella/Direção Concepcional. Annelize Tozetto/Fotos.

A narrativa aborda o encontro, sob intencionalidade amigável, entre dois casais, cujos filhos menores se envolveram em uma briga num parquinho, sofrendo um deles uma agressão maior.  Tudo, afinal, indo por outro caminho, através de desabafos pessoais e ressentimentos contraditórios, ampliados entre um drinque e outro, por descalabros verbais, vômitos, tensão e tumulto, cumulativos com ameaças de ataques físicos.

A caixa cênica despojada mostrando seus bastidores, pela proposta de Rodrigo Portella assumindo uma concepção minimalista em que a ambiência original, numa elegante  sala de visitas domiciliar, apresenta aqui poucos elementos materiais, enquanto sugere simultaneamente o gramado verde de um lúdico parque, tendo ao fundo um típico carrinho de picolés.

Onde os figurinos (Karen Brusttolin), mais cerimoniais em sua assumida opção por  despropositado referencial a outras épocas, fazem ampliar, sob um sotaque de crítico irrealismo, o ideário cenográfico, no entremeio de uma textualidade dramatúrgica que remete incisivamente à atualidade, com indisfarçáveis efeitos luminares vazados (Ana Luzia Molinari de Simoni). 

Configurando-se ainda o sensorial abstracionismo cênico pelas interveniências de vigorosas sonoridades musicais eletroacústicas entre ruídos e acordes pop-roqueiros, em outra das sempre acertadas criações autorais de Federico Puppi.

A absoluta entrega de um elenco afinado mantem permanentes os sotaques de humor e suspense que envolvem os quatro personagens, inicialmente com sorrisos e  aparente  calma, na defesa do filho agredido e do filho agressor, apontando as razões de um lado e do outro, até o alcance de radicais posicionamentos de defesa e ataque.

A começar por Michel (Thelmo Fernandes) que, sob o efeito ascendente de alguns goles alcoólicos, esquenta os ânimos e revela seu caráter frio ao relatar sobre o hamster do filho que ele jogou na rua, estabelecendo um conflito presencial refletido nas nervosas transmutações faciais de sua mulher Veronica (Karina Telles).

O outro casal mostra um advogado Alan (Angelo Paes Leme), que teima em acreditar em suas convicções pessoais, ao lado de sua mulher Ana (Anna Sophia Folch) cujos surtos melancólicos ocultam uma frustração com tudo e com todos. Integralizados, enfim, em performances exacerbadas estabelecendo um clima psicofísico, provocador de amargo riso e de visceral espanto palco/plateia, atores/espectadores.

Em tempos do politicamente correto usado como absurda justificação de extremadas manifestações de machismo e misoginia, sob a fachada de um patriarcalismo recessivo, a instigante direção/concepcional imprimida por Rodrigo Portella ao  espetáculo, acaba tornando O Deus da Carnificina um espetáculo divertido, reflexivo e, sem dúvida alguma, obrigatório...

 

                                         
                                            Wagner Corrêa de Araújo

 

O Deus da Carnificina está em cartaz no Teatro TotalEnergies/Espaço Adolpho Bloch, de quinta a sábado, às 20h; domingo, às 17h; até o dia 7 de junho.