CARMINA BURANA/VORTICE DANCE COMPANY : IMERSIVA PROPOSTA CÊNICA CONECTA DANÇA À TECNOLOGIA DIGITAL

Carmina Burana / Vortice Dance Company. Rafael Carriço e Claudia Martins / Direção Coreográfica Concepcional. Março/2026. Rita Carmo/Fotos.

A Cantata Carmina Burana tornou-se a mais emblemática obra composta por Carl Orff, desde sua estreia, em 1937, já no período de ascensão do regime nazista, provocando incômodo por sua libertária evocação dos prazeres sensoriais, a partir de anônimos versos profanos da era medieval, contrapondo-se, assim, ao “ideário purista” dos teóricos do Reich.

Onde alguns de seus temas musicais, sob textos latinos como Fortuna Imperatrix Mundi, tornaram-se midiáticos inspirando, com sua energética pulsão rítmica e catártica, desde diversas vertentes do pop rock a trilhas cinéticas, indo ainda dos jogos virtuais aos efeitos das plataformas digitais.

E isto se estendeu a um conceitual estético coreográfico em releituras desta Cantata através de várias companhias de dança contemporânea, incluída a mais conhecida hoje em Portugal – Vortice Dance Company  - dando continuidade ao legado inovador e precursor daquela que foi, ligada por sua titularidade (Ballet Gulbenkian), à Fundação Calouste Gulbenkian em Lisboa.

Surgindo o primeiro projeto experimental da Carmina Burana, há cerca de dez anos, por intermédios dos diretores-coreógrafos da Cia Vórtice – Rafael Carriço e Claúdia Martins - optando então por uma proposta radical de vídeo-dança. Sequenciada por uma retomada durante os anos pandêmicos e, mais recentemente, por uma revisão para os palcos que, agora, chega ao Brasil, após várias turnês europeias.

Carmina Burana / Vortice Dance Company. Rafael Carriço e Claudia Martins / Direção Coreográfica Concepcional. Março/2026. Rita Carmo/Fotos.

Dentro de um singular dimensionamento artístico de dar priorização seletiva no seu cast a bailarinos brasileiros selecionados para uma longa temporada de quase três meses, mantendo de seu elenco original português, desta vez, basicamente, dois bailarinos solistas, por acaso os dúplices diretores /coreógrafos da Vortice.

Onde a concepção cenográfica e indumentária mantem-se a mesma da Cia em Lisboa, a saber, Rafael Carriço (cenografia, videografia, sonoplastia) e Cláudia Martins (figurinos), ambos também se responsabilizando, exclusivamente, pela direção artística e coreografia, numa proposta digital ousada com uso da tecnologia do videomapping.

Que se estende do palco à plateia, incluindo o teto e as laterais do teatro propiciando uma imersão sensorial imagética aos bailarinos e aos espectadores, ampliada pela intensidade dos potenciais acordes musicais, no entremeio do uso de uma gravação mantendo a dimensão estética original da obra sinfônico-coral de Carl Orff.

Sob a textualidade de cantos poéticos descobertos no Mosteiro de Benediktbeuern que sinalizam na Roda da Fortuna, a deusa do destino, influindo no ciclo de mudanças na trajetória da condição humana, em quadros luxuriantes no entorno da nudez corporal e dos prazeres sensuais, do lirismo da natureza primaveril, passando pela saciedade do vinho nas tabernas, às sombrias predestinações transcendentais, dos gozos paradisíacos às punições infernais.

As projeções, sob um tratamento digital com uso da IA, ora por representações especulares da cultura medieval ora por assumidas interferências burlescas e contrapontos de uma  ironia crítica e até grotesca,  repercutindo no sugestionamento indumentário, sob um quase desnudamento dos bailarinos, com ressonâncias alegóricas tempo-espaço na psicofisicalidade do corpo cênico.

Não deixando de remeter ao questionamento estético que vem desde grupos precursores desta tendência como o Alvim Nikolais até o Momix, entre outras cias na contemporaneidade, ecoando os riscos da espetacularização tecnológica sobre a pura fluidez da performance de um corpo-linguagem em movimento, contextualizado como dança pela dança.

No caso específico desta Carmina Burana pela Vortice Dance Company, direcionada entre o sagrado e o profano, pela entrega à proposta narrativa consubstanciada e implicitamente conectada à exclusiva estrutura coreográfica de um espetáculo que busca uma essencialidade apreensível, sempre através do encontro destas diferentes linguagens artísticas.

Tudo, afinal, convergindo para uma celebração ritualística pictórica da tradição à modernidade, extensiva ao ideário mais próximo de um híbrido teatro coreográfico onde a técnica é dimensionada pelo maior favorecimento de uma performance de subliminar  transe hipnótico, provocando surpresa na decifração das relações artísticas destas texturas do movimento corporal sob os avanços da tecnologia digital numa imersiva ambiência cênica...

 

                                              Wagner Corrêa de Araújo

 

Carmina Burana/Vortice Dance Company está em temporada, numa turnê que incluiu São Paulo - Teatro Liberdade,  Rio - Cidade das Artes, com previsão de encerramento nos dias 10 e 11 de abril, no Befly Minas Centro/Belo Horizonte.

HÉTERO SIGILO : O DIFÍCIL ENFRENTAMENTO DO CONVÍVIO COM AS DIFERENÇAS FRENTE AO CONSERVADORISMO FAMILIAR E SOCIAL

Hétero Sigilo. Bernardo Dugin/Dramaturgia e Performance. João Fonseca/Direção Concepcional. Março/2025. Nil Caniné/Fotos.

 

Sob um preconceito secular, a rejeição no entorno da diversidade de orientação sexual começa por sua classificação como “o amor que não ousa dizer seu nome”, paralela à sua definição científica como a homossexualidade, por outro lado, alcançando uma subliminar vulgarização pelo sarcasmo de gírias discriminatórias.

Mas destacando-se também pela sua abordagem, com uma proposta de denúncia mais conscientizadora ou remissiva, em inúmeras representações teatrais e cinematográficas, incluindo além da literatura as artes plásticas e, vez por outra, a criação musical.

O que fez crescer um progressivo movimento de reflexão, defesa e protesto originado na liberalidade comportamental dos anos setenta, interrompida pela eclosão, nos anos 80/90, da AIDS, transmutada então pelo estigma da culpa como um vírus exclusivo da comunidade gay.

Embora isto tenha se revertido, apesar ainda de muitos  outros pesares, pela pulsão cada vez maior da comunidade LGBTQIAPN+, persistindo apesar de todo este empenho uma epidêmica tendência comandada pelo recessivo conservadorismo moral, religioso e político.

Dentro de um contexto de desafio e oposição, valendo a pena destacar no universo teatral o surgimento de espetáculos contestatórios deste status refratário, ainda persistente em plena segunda década do terceiro milênio. Através, agora, de um monólogo qualitativo, primeiro resultado dramatúrgico de Bernardo Dugin, titulado muito a propósito, como Hétero Sigilo.

Hétero Sigilo. Bernardo Dugin/Dramaturgia e Performance. João Fonseca/Direção Concepcional. Março/2025. Nil Caniné/Fotos.

Um nome ascendente da nova geração nos palcos cariocas, originário de Nova Friburgo, mas já com boa trajetória como ator, assistente e diretor de teatro, com incursões pelo cinema e pela televisão. E nesta sua peça de estreia autoral, sendo dirigido pela habitual competência de João Fonseca, com assistência de André Celant.

Onde a caixa cênica é preenchida por uma minimalista concepção, frontalizada pela sugestão de um espermatozóide suspenso, e na funcional mobilidade de uma  mesa e duas cadeiras, pelo ideário de Nello Marrese, também responsável por um figurino cotidiano bastante simplificado.

Sob luzes (Daniela Sanchez) entre sombras, ora focais, ora vazadas, ressaltando uma espontânea movimentação  (Vanessa Garcia) de um ator energizado ou então tornado mais pensativo, através dos sempre expressivos acordes composicionais do violoncelista e compositor Federico Puppi.

A narrativa dramatúrgica dimensionada por significativo episódio vivencial sofrido de forma agressiva, tanto por Bernardo Dugin como por seu parceiro amoroso, durante uma missa de sétimo dia em sua cidade natal, quando o padre que oficiava a cerimônia fez uma humilhante  alusão à presença, ali, do jovem casal gay.

Com repercussão em âmbito nacional, o fato provocou um procedimento jurídico e incentivou o ator a criar um perfil digital a que denominou de Hétero Sigilo, transformado depois na textualidade dramatúrgica, como um manifesto a favor da condição de ser e de se assumir como gay.

Na percepção desde a infância que era diferente dos outros meninos, entendendo em maior amplitude, a partir da adolescência, que era necessário aceitar isto sem restrição e acovardamento, diante de tanto bullying, por priorizar a leitura, a paixão pelo teatro e a dança, respondendo aos que riam dele - tu és tu, eu sou gay e daí, qual o problema?...

E é consciente de seu orgulho de ser assim que Bernardo Dugin se entrega a uma convicta performance sendo o personagem ele mesmo, expondo sem amarras a sua interioridade. Imprimindo afetiva sinceridade, ao estabelecer equilíbrio entre os desalentos e as alegrias numa despretensiosa dialetação confessional.

Tornada cativante ao fazer refletir os que o assistem, como se quisesse ecoar no silencio emotivo de cada espectador a poética fala de Caio Fernando Abreu :  “Quero a delicadeza de quem me olha e me entende sem que eu precise dizer uma palavra”...

 

                                         Wagner Corrêa de Araújo

 

Hétero Sigilo está em cartaz no Teatro Laura Alvim/Ipanema, sexta e sábado, às 20h; domingo, às 19h; até o dia 29 de março.

AUTO DA COMPADECIDA : BRASILIDADE SOB UMA ESTÉTICA BARROCO-TROPICALISTA MARCA A PARCERIA GABRIEL VILLELA E O GRUPO MARIA CUTIA

 

Auto da Compadecida. Grupo Maria Cutia. Ariano Suassuna/Dramaturgia. Gabriel Villela/Direção Concepcional. Março/2026. Tati Motta/Fotos.

O Grupo Maria Cutia, nos seus vinte anos de trajetória pelos caminhos da mineiridade, sempre atraiu o também mineiro Gabriel Villela por recíproca identidade das raízes circenses e de um teatro de rua, voltado para a poesia e para a linguagem popular, desde sua criação em 2006, o que motivou o encontro entre o diretor e a trupe.

Pelo ideário de uma releitura da mais conhecida obra do pernambucano Ariano Suassuna, no propósito de celebrar tanto os 60 anos de Gabriel Villela como as duas décadas do Grupo Maria Cutia, este com inúmeras turnês Brasil afora e além-mar, e, agora, através de uma inédita montagem do Auto da Compadecida.

Conceitualizada sob uma estética conectando o barroco mineiro ao tropicalismo baiano e carioca, paralela à melhor tradição da cultura popular numa releitura inventiva que incorpora elementos brechtianos. Por intermédio de canções e citações textuais, potencializando um contraponto farsesco, com oportuno conteúdo crítico, político - comportamental, sobre o Brasil de hoje.

Paralelo a uma concepção cênico-indumentária, na tipicidade autoral de Gabriel Villela, adicionando tonalidades resplandecentes, no detalhamento pictórico dos cenários, que remetem a uma plasticidade barroquista das ancestrais igrejas coloniais mineiras. Extensivo aos artesanais figurinos que fundem o imaginário barroco, ao circo e à arte popular, passando pelos folguedos folclóricos e pelo carnaval, não esquecendo de destacar o exuberante visagismo facial e a energia gestual de cada ator.

Auto da Compadecida. Ariano Suassuna/Dramaturgia. Gabriel Villela/Direção Concepcional. Março/2026. Tati Motta/Fotos.

A trilha sonora interpretada ao vivo pelos atores-cantores, simultaneamente músicos-instrumentistas, num repertório com uso inusitado das letras para simbolizar cenas como a da chegada dos personagens para a um julgamento no céu, “sem lenço e sem documento”, como apregoa Caetano Veloso em Alegria, Alegria. Passando também, entre outras, por América do Sul, hit vocal de Ney Matogrosso para acentuar a pegada tropicalista.

Incluindo ainda Carcará com seu referencial nordestino, além de Eu Quero é Botar Meu Bloco na Rua, marcando as entradas e saídas carnavalescas do Bloco da Cutia, mais os temas do cancioneiro tradicional e também religioso, sinalizando a milagrosa intervenção da Nossa Senhora Compadecida e do Nosso Senhor Jesus Cristo, desafiando o Diabo, no tribunal celeste.

O palco-picadeiro sob funcionais efeitos luminares (Richard Zair) e luminosa direção musical (Babaya, Fernando Muzzi e Hugo da Silva). Tudo isto integrando uma narrativa picaresca, ingênua e bucólica, ao mesmo tempo, a partir dos embates em compasso da palhaçaria, de Chicó (Hugo da Silva) a João Grilo (Leonardo Rocha) no entorno de um controvertido enterro do cachorro do padeiro (Dê Jota Torres) e de sua mulher (Mariana Arruda).

Alguns dos intérpretes em representações alternativas do universo religioso/cristão, fazendo papel do Padre, do Bispo, do Sacristão, de Nossa Senhora, de Jesus Cristo e do Diabo, ou em atuações isoladas, vez por outra, como um Palhaço, um Cangaceiro, um Capanga e um Major.

Todo o elenco sintonizado em uma coesão performática, ainda que, através de determinados personagens, tenham um apelo carismático maior ou menor, mas sempre estabelecendo uma sólida dialetação palco/plateia em suas incursões.

Absolutamente funcionais com sua convicta envolvência no tratamento assumidamente burlesco e provocador imprimido por Gabriel Villela, privilegiando com seu perspicaz olhar, um diferencial que não deixa indiferente à proposta o mais acomodado dos espectadores.

Levando ao alcance de uma entusiástica adesão expressada por espontâneos aplausos, desde o prólogo ao epílogo, em espetáculo classificado como cênico/musical/picaresco, por acertada auto definição do próprio Grupo Cutia.

A investigativa busca por novas e arrojadas atitudes criativas, marca registrada da instintiva liberdade artística de Gabriel Vilela, faz com que esta sua irrepreensível versão do Auto da Compadecida, repercuta o emblemático signo da obra de seu compatriota- mor Guimarães, o Rosa da Prosa: “Eu queria decifrar as coisas que são importantes”...

 

                                          Wagner Corrêa de Araújo

 

Auto da Compadecida / Grupo Cutia está em cartaz no Espaço Arena/SESC/Copacabana, de quinta a sábado, às 20h; domingo, às 18hs, até 29 de março.

BODAS / FOCUS CIA DE DANÇA : 25 ANOS DE CONVÍVIO COREOGRÁFICO COM A ESTÉTICA DIFERENCIAL DE ALEX NEORAL

Bodas / Focus Cia de Dança. Alex Neoral / Direção Concepcional / Coreográfica. Março/2026. Léo Aversa/Fotos.

Com um referencial título que, na história da dança, remete a um dos clássicos do século XX, pelos Ballets Russes por Bronislava Nijinska, desta vez as Bodas da Focus Cia de Dança assumem um original enfoque comemorativo do simbólico convívio artístico do coreógrafo Alex Neoral com seu afinado corpo de bailarinos.

Nesta proposta retrospectiva, sem o intuito de fazer uma mera colagem de trechos selecionados no entorno de criações que continuam a integrar o repertório da Focus Cia de Dança, o conceitual coreográfico é elaborado como uma releitura destas obras para tornar Bodas um espetáculo inédito.

Propiciando para aqueles que tiveram o privilégio, seja como espectadores ou pela análise crítica, de terem visto a maioria destas criações, agora, com Bodas, numa espécie de decifração desta proposta estética a partir da sua reunião fragmentária, priorizando o foco em 16 montagens da Cia.

Além da sua parceria com uma habilitada equipe de criação comandada por Tatiana Garcias que, neste quarto de século, tornou-se um nome fundamental acompanhando, inicialmente como bailarina e depois como produtora, todas as fases de desenvolvimento da Focus, desde seu primeiro espetáculo Vértice, no despontar do terceiro milênio.

A Cia e seu inventor, diretor e coreógrafo (Alex Neoral) sempre revelando novos direcionamentos na corporeidade psicofísica dos bailarinos em sua transmutação das relações de tempo e espaço, nesta celebração em compasso ritualístico, sob o lance de dados de um jogo coreográfico memorial.

Bodas / Focus Cia de Dança. Alex Neoral / Direção Concepcional e Coreográfica. Março/2026. Léo Aversa /Fotos.

Onde a caixa cênica (Natália Lana) é preenchida por plataforma frontal ou superposta  como uma cobertura, ora reproduzindo imagens originais da obra inicial, sinalizadora da futura trajetória artística da Focus, ora transmitindo reflexos especulares dos bailarinos em sua atuação no palco, em imersiva plasticidade.

Complementada por exponenciais efeitos luminares  (Anderson Ratto) e diferenciais figurinos (Maria Osório e Lucas Pereira) com brilhos e tonalidades prateadas sobrepostas, sem perder a identificação de caracteres singulares que remetem às obras coreográficas escolhidas.

A trilha sonora, sob o ideário de Alex Neoral, percorre em seus acordes e temas musicais uma circularidade que alcança vários gêneros, indo do barroco à música eletrônica, da MPB ao tango argentino, passando pelo cancioneiro romântico.

Esta multiplicidade de facetas impulsionando a expressividade do corpo dançante e estabelecendo afinidades, em níveis variados, com o gosto específico de cada espectador, de Bach a Steve Reich, de Astor Piazzola a Chico Buarque e Ney Matogrosso, incluindo ainda Roberto Carlos.

Pela qualitativa e coesiva entrega dos dez bailarinos (Afonso Gondin, Bianca Lopes, Bruno Feliciano, Carolina de Sá, Cosme Gregory, Guilherme Nunes, Olivia Pureza, Paloma Tauffer, Wesley Tavares e Yasmin Mattos) há que se destacar como sua adesão à performance torna-se um elemento essencial, através de quadros fracionados,  ao andamento sequencial ininterrupto para um resultado integralizado de uma obra, completa em todos os seus aspectos.

Ora rigidamente abstratos, vez por outra narrativos sem cair na linearidade, quando reproduzem citações verbalizadas, entre a literatura de Clarice Lispector e os versos de canções de Chico Buarque e Ney Matogrosso, extensivo a projeções numéricas, enquanto toques sonoros percussivos parecem sugestionar 25 badaladas de um sino ou de um relógio, alusivas às “Bodas" de Prata da Cia.

A direção coreográfica-concepcional de Alex Neoral sempre dimensionando os seus desenhos coreográficos pelo vai e vem das entradas e saídas de variadas formações grupais, energizadas entre pausas de silêncio, em artesanal unicidade cronométrica de um tempo gestual destinado à pulsão imediata do próximo instante.

Tudo, enfim, ressaltando mais um resultado do processo criador de Alex Neoral frente à Focus Cia de Dança, reinventando sua essencial contribuição coreográfica à dança contemporânea brasileira, e, ainda, repercutindo o oportuno apelo do pensar filosófico de Gaston Bachelard:“Não se encontra o espaço, é sempre necessário construí-lo”...

                                  

                                        Wagner Corrêa de Araújo

 

Bodas / Focus Cia de Dança apresentou-se em instantânea temporada no Theatro Municipal/RJ, de 05 a 08 de Março.

O PAI : IMERSIVO MERGULHO TRAGICOMICO NOS DISSABORES VIVENCIAIS À CAUSA DO ALZHEIMER

    O Pai. Florian Zeller / Dramaturgia. Léo Stefanini / Direção Concepcional. Março/2026. João Caldas Filho/Fotos.

Dramaturgo e diretor francês Florian Zeller de uma geração mais recente, destacou-se especialmente pela sua peça O Pai, estreada em 2014, grande sucesso nos palcos e também nas telas, onde sua autoral versão cinematográfica da obra (2021) possibilitou-lhe várias premiações internacionais, incluindo o Oscar e o Bafta.

Com um destaque super especial para o ator Anthony Hopkins como o protagonista titular da versão fílmica, numa exemplar caracterização do personagem - um engenheiro de 80 anos, viúvo e aposentado sob o enfrentamento, na trajetória da terceira idade, dos males psicofísicos trazidos pelo Alzheimer.

O que o obriga, como de hábito nesta moléstia, a se tornar dependente da filha Anne, sequenciado por uma cuidadora e enfermeira, até a sua definitiva internação numa clínica-asilo. Em montagem brasileira de reconhecido êxito, cartaz há vários anos, marcada por uma singular participação da família Stefanini com sua assumida vocação geracional para o teatro.

A começar de uma irreprimível atuação de seu patriarca artístico Fúlvio Stefanini no papel principal como André, o pai, além de seus três filhos, a atriz Carol Gonzalez (em dúplice participação colaborativa, com Lenita Aghetoni, na tradução do texto) e, aqui, personificando Anne, incluindo, ainda, os irmãos ator Fúlvio Stefanini Filho mais Léo Stefanini, este assumindo a direção concepcional.

O Pai. Florian Zeller/Dramaturgia. Léo Stefanini/Diretor. Carol Gonzalez/ Atriz e tradutora. Março / 2026. João Caldas Filho/Fotos.

   

Completando o elenco, em atuações de caráter mais coadjuvante, as atrizes Carol Mariottini, Lara Córdula,  Déo Patrício. Não deixando de ressaltar que há um acertado equilíbrio coesivo para a trama, entre os papéis essenciais, como nestas outras básicas intervenções.

O palco sendo preenchido com poucos elementos materiais, tais como banco, cadeiras, mesa e estante divisória, mutáveis em seu significado cenográfico (André Cortez) de acordo com a evolutiva degeneração mental do personagem. Completando-se por figurinos (Lelê Barbieri) cotidianos em tons neutros, diferenciais apenas nas suas referencias a um ambiente clínico.

Com vazados efeitos luminares (Diego Cortez) na prevalência de claros, interrompidos por black-outs instantâneos e discricionária trilha sonora (Raul Teixeira e Renato Navarro), acentuando uma subliminar depressividade nas prevalentes passagens confessionais mais emotivas.

Contrapondo-se por vezes com acordes mais efusivos, capazes de provocar um irônico humor nos espectadores, a partir das falas no sense de um personagem acometido pela confusão mental e pela perda memorial quanto às noções de tempo e de espaço.

Na incerteza do que poderá acontecer-lhe para apressar a finitude, sob a fluência implacável do suporte da condição humana, no trágico destino de um personagem direcionado ao alheamento das suas próprias circunstâncias existenciais e do próprio sentido no entorno do ser ou do não ser, a peça encontra em Fúlvio Stefanini um intérprete ideal.

Sua atuação de forma contínua numa quase ininterrupta presença em cena, a precisão de suas diversificadas entonações vocais caracterizando sua teimosia, paralela à irritabilidade gestual com tudo que contrarie suas atitudes comportamentais, fazem com que cada espectador fique dominado pela força carismática de tão convicta pulsão performática.

Por outro lado, não fica imune a esse compartilhamento, o drama pessoal de Anne invertendo seu oficio filial ao se transformar, com sua irrestrita atenção, em mãe do próprio pai em processo de demência, num expressivo apelo e sustento interpretativo pela atriz Carol Gonzalez.

A direção de Léo, outro dos lídimos representantes da prole teatral dos Stefanini, demonstrando o precioso legado familiar com um comando artístico voltado para um naturalismo concepcional, sabendo como dosar bem o lado naturalmente sensitivo do tema, sem que este resvale para um superficialismo melodramático.

O Pai, enfim, estabelece a partir de seus momentos de demência, entremeados com a lucidez de poéticas reflexões comparativas do personagem - “Sinto como se eu estivesse perdendo todas as minhas folhas” - um espetáculo obrigatório para quem gosta de Teatro representado no palco da vida de cada um de nós...

 

                                             Wagner Corrêa de Araújo

 

O Pai está em cartaz no Teatro TotalEnergies/Glória/RJ, sextas e sábados às 20h; domingos, às 19h, até o dia 29 de março.

COYOTE : COMÉDIA DRAMÁTICA CONFRONTA A SOLIDÃO HUMANA COM A DESOLAÇÃO AMBIENTAL

 

Coyote. Eric Coble / Dramaturgia. Karen Coelho e Rodrigo Pandolfo / Direção Concepcional-Performática. Fevereiro/2026. Victor Poliak / Fotos.

Dois vizinhos solitários acabam se encontrando, conversando e refletindo diante do súbito e sequencial aparecimento de um coyote nas escadas de incêndio do prédio. Este é o mote do dramaturgo escocês/americano Eric Coble para a sua peça originalmente denominada My Barking Dog, inédita em palcos brasileiros e aqui titulada Coyote, em outra das apuradas traduções de Diego Teza.

Na tipicidade do latido de um pequeno lobo, com certa similaridade canina na aparência deste mamífero predador, a partir de um nome conferido por descendentes dos povos originais do México. E que diante da ascendente devastação de seu meio ambiente, acaba invadindo o espaço urbano na sua busca pela sobevivência.

A narrativa fabular sendo pontuada pelo dimensionamento do realismo mágico e de um clima fantasioso e meio surrealista na tentativa de decifrar o enigma que passa a perturbar e, ao mesmo tempo, a preencher o dúplice cotidiano vazio de Tony (Rodrigo Pandolfo) e de Melinda (Karen Coelho).

O primeiro na condição de desempregado numa incessante navegação pelas plataformas digitais na esperança de encontrar um trabalho, enquanto Melinda enfrenta o fastio de um cotidiano e a desilusão de sua sufocante jornada noturna em uma fábrica.

Coyote. Eric Coble / Dramaturgia. Karen Coelho e Rodrigo Pandolfo / Direção Concepcional-Performática. Fevereiro/2026. Victor Poliak / Fotos.

No inicio, cada um deles expressa o desalento personalista de dois seres frustrados com o melancólico alcance de suas vidas, sem quaisquer perspectivas frente à prevalência dos desmandos de uma sociedade  capitalista que se orienta apenas por seus interesses lucrativos.

E é extamente pela imersão num clima de fantasia, de sonhos e até delírios com as supostas visões de um animal, que eles encontram certo consolo revelando-se, reciprocamente, através de falas confessionais. Inicialmente bastante autoreferenciais dirigindo-se à plateia, por intermédio de uma energizada Karen Coelho. Depois compartilhadas de um para o outro – Rodrigo Pandolfo, este numa vocalização mais discricionária ou mais sutil. Tudo entremeado por ironia, drama, riso ingênuo ou cáustico, em passagens ora sombrias, ora bem humoradas.

Numa minimalista concepção cenográfica (Cássio Brasil) os atores se movimentam sobre um piso de placas quadradas retiradas aos poucos, para revelar simbolicamente uma terra vermelha, sugestionando assim os resquícios da natureza selvagem, aqui, oculta sob o concreto dos edifícios e abaixo do asfalto das ruas.

Ambos com inusitado figurino que traz traços do dia-a-dia carregado por um sotaque de excentricidade, especialmente no desleixado traje meio pijama paralelo ao uso de gravata mal ajeitada, blusa invernal e bermuda do personagem masculino, completando o diferencial ideário cênico-indumentário de Cássio Brasil.

Enquanto se ouvem ruídos e acordes desconexos (Marcelo H), entre instantâneos solos de sax, amplificados nos efeitos luminares (Ney Bonfante) configurando situações comportamentais, ora aleatórias, ora interativas, no entremeio dialogal dos dois personagens, provocado pelas aparições, indo  do  imaginário ao realismo, de um Coyote.

A direção concepcional-performática é assumida pelos dois convictos atores dando continuidade à trajetória de uma parceria inicializada nos estudos teatrais, tornada independente e inventiva no palco reunindo, agora, esta dinâmica dupla – Karen Coelho e Rodrigo Pandolfo - na realização comum da peça Coyote.  

Numa incisiva criação cênica, plena de contrapontos dramatúrgicos e críticos, sob um subliminar conceitual do absurdo e do no sense, capaz ao mesmo tempo de ser provocador tanto do riso como de um questionamento do “way of life” contemporâneo, em sua frenética pulsão consumista acreditando estar, ali, a saída para o isolamento psicofísico no caos urbano.

Tão desconectado da natureza que a simples presença de um Coyote fugitivo da depredação ambiental pode ser capaz de levar a uma mudança no comportamento sensitivo, relacionado tanto à valoração do mundo selvagem quanto ao seu papel na própria preservação do outro, conceitualizado como civilizatório,  num futuro distópico...

 

                                          Wagner Corrêa de Araújo

  

Coyote está em cartaz no Teatro Poeirinha/Botafogo, de quinta a sábado, às 20h; domingo, às 19h; até o dia 01 de março.

FAFÁ DE BELÉM : A ARREBATADORA BRASILIDADE DE UM MUSICAL BIOGRÁFICO COM M MAÍSCULO

Fafá de Belém - O Musical. Eduardo Rieche e Gustavo Gasparani/Dramaturgia. Gustavo Gasparani/Direção Concepcional. Fevereiro/2026. Nil Caniné/Fotos.

Há musicais e “musicais” que recriam, dramaturgicamente, através de canções e passagens existenciais, a vida e a obra de personalidades fundamentais da MPB de ontem e de hoje. Grande parte deles imersa em similar dimensionamento estético-fabular, sobre a trajetória de cada um deles, por insistente recorrência exclusiva, ora à prevalência do seu legado composicional, ora ao repertório de cada um deles.

Poucos são aqueles musicais que ousam desafiar este formato sempre sob um sequencial cronológico e, de certa maneira, tornado quase obrigatório na concepção de um musical brasileiro biográfico. Não se podendo negar que há aqueles outros que acabam se impondo como uma gramática cênica peculiar privilegiando, num mesmo patamar inventivo, a conexão tanto dramatúrgica como musical.

É, sem dúvida alguma, o caso de Fafá de Belém - O Musical, a primeira e mais significativa estreia no gênero “grande musical” da temporada 2026 nos palcos cariocas com um propósito de ir além sob um subliminar contraponto crítico-reflexivo. Desde o seu ideário inicial por Jô Santana, um reconhecido produtor e incentivador do teatro musical em moldes brasileiros.

E já começando pelo acertado lance de dados na escolha dos roteiristas-dramaturgos, sob a afirmativa competência de Eduardo Rieche e Gustavo Gasparani, contando também com o valioso aporte do pesquisador musical de Rodrigo Faour, cabendo a Gasparani a exemplar direção artística-concepcional do espetáculo.

    Fafá de Belém - O Musical. Eduardo Rieche e Gustavo Gasparani/Dramaturgia. Gustavo Gasparani/Direção Concepcional. Fevereiro/2026. Nil Caniné/Fotos.

Fazendo alusões à magia exercida pela região amazônica, como um emblemático signo da plenitude da natureza no norte brasileiro, no entremeio de um acervo mítico que vai dos povos originários às tradições indígenas autóctones em sua miscigenação com as crenças religiosas cristãs, da colonização à contemporaneidade.

Incluindo, aqui, Belém do Pará, a terra de origem da cantora, e seu simbólico Círio de Nazaré, onde ela passou seus anos de infância à descoberta de seu fascínio pela arte musical, transmutada em sua revelação vocal aos 18 anos, como intérprete de uma das canções temas da novela Gabriela Cravo e Canela em 1975 (Filho da Bahia, de Walter Queiroz).

Tudo isto sob um imaginário pretexto para realização de um documentário fílmico atual sobre a cantora, longe de rigorismos sequenciais, partindo da sua ambiência familiar, através de aproximativos referenciais à sua mãe personificada por uma sempre cativante atriz-cantora Lucinha Lins, enquanto é alternada por Laura Saab, sua neta de sangue e no caminho artístico da avó, aqui, como uma Fafá criança e adolescente.

Entremeado, nestas idas e vindas de lembranças atravessadas pelo espaço-tempo, é que vai acontecendo a decifração poética do mistério de uma vida inteira dedicada ao canto, antes de tudo, ancorada na valorização não só da cultura musical popular, mas vocacionada também no seu permanente empenho pelas questões políticas e sociais.

Reverenciada como uma espécie de musa das Diretas Já, defensora da preservação do patrimônio ecológico, porta voz da comunidade LGBTQIA+, defensora das causas femininas, indo contra quaisquer formas de preconceito a posturas identitárias ou de exclusão por raça e sexualidade.

Em espetáculo esmerado em todos os seus aspectos, na plasticidade da caixa cênica (Ronald Teixeira) preenchida pelas aquareladas tonalidades de um radiante figurino (Cláudio Tovar) de detalhamento artesanal, ao alcance de um visual pictórico por intermédio de luzes com efeitos extasiantes (Paulo Cesar Medeiros).

Entre os acordes contagiantes de um contraponto de ritmos regionais ou modernos, dando espaço também a clássicos do cancioneiro popular e ao romantismo brega - sertanejo, sob um caprichado comando musical (Marcelo Alonso Neves), estendendo-se à energizada corporeidade gestual provocada pela maestria coreográfica de Renato Vieira.

Tudo isto sendo evidenciado pela potencialidade performática de um surpreendente desvendamento da última geração do teatro musical - Helga Nemetik, com sua singular tessitura vocal, paralela à admirável maturidade artística de uma completa Lucinha Lins, ambas  imprimindo um arrebatador sotaque ao personagem titular.

A partir da fluência de uma narrativa dramatúrgica direcionada à amplitude conceitual, cenográfica e musical de um espetáculo, pensado para divertir sem deixar de dar seu recado reflexivo sobre a força transcendente do legado artístico de Fafá de Belém para a cultura de um povo e de um país...

 

                                                Wagner Corrêa de Araújo

Fafá de Belém - O Musical está em cartaz no Teatro Riachuelo/RJ, nas quintas e sextas às 20h; sábados e domingos, às 17h; até o dia 08 de março

HAMLET: MONTAGEM DESAFIADORA, ENTRE A TRADIÇÃO E A MODERNIDADE, REAFIRMA O PERMANENTE SIGNO INVENTIVO DA CIA TEATRO ESPLENDOR

 

Hamlet. Cia Teatro Esplendor. Bruce Gomlevsky / Direção Concepcional. Fevereiro/2026. Dalton Valério/Fotos.

Enquanto na última década algumas das incursões, direcionadas especificamente ao mítico personagem shakespeariano, se destacaram nos palcos cariocas e brasileiros, pela sua ousadia estética-conceitual, Bruce Gomlevsky à frente de sua Cia Teatro Esplendor dá sequencia a esta trajetória com seu Hamlet situado entre a tradição e a inovação.

Desta vez indo ainda mais longe na releitura da tradução de Geraldo Carneiro, embora basicamente se orientando por uma subliminar fidelidade à sua narrativa original, fazendo prevalecer a solidez e a mensagem de sua secular textualidade dramatúrgica, mas inserindo ali diversos elementos que fazem deste Hamlet um significativo tributo comemorativo aos 15 anos da Cia Teatro Esplendor.

Não só por sua inserção na realidade contemporânea, reconfigurando cenicamente alguns personagens, através de conceituais bem aproximativos desta sua redefinição com um olhar que os atualiza, inclusive por enfoques da linguagem cibernética e da inteligência artificial.

Mas sem deixar, também, de ousar nas citações do legado das crenças espiritualistas afro-brasileiras nas passagens de espectros fantasmagóricos. Quando o personagem titular é desafiado e derrubado pelos conflitos de sua própria subjetividade e de sua dúvida anti-heroica, sob a influência da pulsão de um destino submetido às forças metafóricas de divindades superiores.

Hamlet. Cia Teatro Esplendor. Bruce Gomlevsky / Direção Concepcional. Fevereiro/2026. Dalton Valério/Fotos.

Onde o espaço cênico (Nello Marrese) com poucos elementos materiais, acaba deixando praticamente livre, no seu dimensionamento de uma arena circundada por cadeiras dos quatro lados, a mobilidade dos espectadores não só na troca de suas posições e lugares, incidindo sua participação dançante em partes como um baile de corte real.

Sempre impulsionados, tanto atores como espectadores sob os acordes da envolvente trilha de Sacha Amback, entre uma fusão de harmonias que tanto podem remeter à época ancestral de sua trama como aos ritmos  dos dias de hoje, com efeitos luminares (Elisa Tandeta) sugestionando ambiências ora cotidianas ora fantásticas, moduladas numa plasticidade quase cinética.

O que é ampliado nas diferenciais nuances de uma indumentária (Maria Callou) definitivamente distanciada do design de época, em afirmativa atemporalidade que chega a incluir o uso ocasional da tipicidade pictórica de objetos inusitados como microfones e celulares.

Todas estas perspectivas transformadoras podendo, às vezes, causar certo incômodo naqueles extremados adeptos de uma tendência conservadora, nunca aceitando qualquer interferência desestabilizadora de sua academicista visão de um clássico teatral como este. Capazes até de se recusarem, pelo menos, a conferir estas transmutações cênicas na era elisabetana.

Bruce Gomlevsky como o protagonista titular assumindo com plena convicção os meandros psicofísicos a que conduz esta sua particularizada representação de Hamlet, apurando a sua atuação performática e verbal, com uma espontaneidade fluente e irradiante.

O que se estende a um elenco com traços seguros na construção de seus papeis, ora sob tons sarcásticos, ora dramáticos ou até risíveis, mas sempre pontuados por uma unicidade interpretativa indo da progressão dramática a tons farsescos, estabelecidos através do empenho inventor da gramática cênica/direcional de Bruce Gomlevsky.

Brilhando cada um deles pelo característico dimensionamento expressivo, entre a emoção e a reflexão, sendo imprimido aos seus personagens, especialmente no núcleo dramatúrgico central, decorrente do contundente e decisivo acerto de contas por Hamlet (Bruce Gomlevsky).

Paralelo, à indignação contra a infidelidade de Gertrudes (Sirlea Aleixo) e seu consorte vilão Claudius (Gustavo Damasceno), à transição multifacetária  entre Horácio e o coveiro (na dúplice consistência atoral de Jaime Leibovich), além da singularizada personificação de Horácio (Ricardo Lopes) como um fantasma capoeirista.

Num jogo teatral vivo com primado do sensorial que nunca banaliza as diretrizes inerentes a uma obra clássica. Mas, sobretudo, não deixa de manter um contraponto crítico, por vezes irreverente e provocador, de uma montagem com o olhar sintonizado em seu tempo e com os avanços de um meta teatro fazendo do palco um articulador de ideias...

 

                                              Wagner Corrêa de Araújo

Hamlet/Cia Teatro Esplendor está em cartaz no Teatro Gláucio Gil/Copacabana de sábado a segunda feira, às 20hs; até o dia 09 de fevereiro.

SOZINHO COM ROMEU E JULIETA : CLÁSSICO SHAKESPEARIANO EM MÁGICA VERSÃO COM EXUBERANTE PERFORMANCE SOLO

Sozinho com Romeu e Julieta. Trupe Ave Lola. Ana Rosa Genari Tezza/Direção Concepcional. Evandro Santiago/Ator. Janeiro/2026. Gus Benke/Fotos.

A Trupe Ave Lola é uma das mais significativas cias teatrais curitibanas destacando-se, há cerca de quinze anos, pelo sotaque original e pela estética diferencial que imprime às suas sempre inventivas criações sob o atuante ideário concepcional de sua diretora Ana Rosa Genari Tezza.

Esta não é a primeira incursão da incrível trupe no teatro de William Shakespeare tendo estreado, em 2024, outra montagem inspirada no clássico do bardo inglês - Sonho de Uma Noite de Verão - usando todo o seu staff tecno/artístico e, como de hábito, sinalizada por um potencial processo criador.

Mas, agora, ousando mais em sua proposta cênica com a adaptação para um só intérprete de todos os principais personagens da mais popular das suas peças, sob singular titularidade e intimismo introspectivo em  Sozinho Com Romeu e Julieta, com luminosa participação de um dos mais reveladores atores da Cia desde sua formação - Evandro Santiago. 

A partir das diretrizes fundamentais da tradução de Bárbara Heliodora mantendo absoluta fidelidade, especialmente nas partes em que o intérprete recorre, através de uma quase leitura dramatúrgica, a passagens versificadas de sua textualidade. Apresentadas paralelamente à subliminar espontaneidade performática conferida por um convicto e carismático ator.

Sozinho com Romeu e Julieta. Trupe Ave Lola. Ana Rosa Genari Tezza/Direção Concepcional. Evandro Santiago/Ator. Janeiro/2026. Gus Benke/Fotos.

Onde a narrativa sintetiza o enredo da tragédia, em muito menos que três horas, através da súbita volta de um jovem ator ao atelier de costura de um antigo teatro em precário abandono, pós sua interdição por questões políticas. E que, imerso num clima de delírio e fantasia, decide retomar o sonho pontuado pela magia teatral, no entorno da pretendida montagem da peça de Shakespeare, sob o ativismo de assumida resistência artística.  

Na plasticidade de uma pictórica ambiência (Daniel Pinha) vai sendo descortinado o mistério daquele espaço em dois planos, com manequins portando figurinos interrompidos (Eduardo Giacomini), não faltando ali uma mesa-armário e uma velha máquina de costura, além de máscaras faciais e bonecos manipuláveis (Eduardo Santos). 

Diante de tudo isto, efeitos de luzes cinéticas (Beto Bruel e Rodrigo Ziolkowski) entre sombras, sugestionam relâmpagos e trovões, enquanto acordes instrumentais melodiosos ecoam dos bastidores. Até serem compartilhados presencialmente entre os dois músicos-autorais (Arthur Jaime e Breno Monte Serrat) e o ator Evandro Santiago que mostra, ali, suas aptidões como afinado cantor, vocalizando o popular  leitmotiv de Nino Rota para o filme Romeu e Julieta, de Franco Zefirelli.

Capaz, assim, de instaurar um consistente clima de encantamento e magia ator/espectador, com as variações de suas tessituras vocais, além das sensoriais modulações de sua psicofisicalidade conferindo caracteres à sua corporeidade gestual que remetem à especificidade conceitual de um teatro coreográfico.

O que denota claramente a sólida base de sua formação como ator, também expert no dimensionamento de uma dramaturgia corporal, valioso resultado de sua passagem pela Escola Angel Vianna e no acompanhamento do valioso legado coreográfico do Balé Teatro Guaíra.

A gramática cênica de Ana Rosa Genari Tezza sabendo fazer transitar a palavra dramatúrgica e a ação corporal em coesivo diálogo com o espaço cênico, na intenção de ressignificar o uso de objetos como réguas, tesoura, máscaras e peças indumentárias na sequencialidade da narrativa, como esclarecedores signos da representação.

As nuances vocais e gestuais na vigorosa fluência da diversidade emotiva de cada personagem interpretado, com entrega de sangue e alma, por Evandro Santiago vai conquistando a cumplicidade e a expectativa de cada espectador. Mesmo já conhecendo bem o trágico epílogo a que conduz aquele proibido amor de dois adolescentes à causa do ancestral enfrentamento de famílias rivais.

O irrepreensível desempenho do ator e a empatia da direção concepcional para uma cativante transposição cênica da Trupe Ave Lola fazem, enfim, de Sozinho Com Romeu e Julieta uma das primeiras grandes surpresas da Temporada Teatral 2026 em palcos cariocas...

 

                                              Wagner Corrêa de Araújo

 

Sozinho com Romeu e Julieta /Trupe Ave Lola/Curitiba  está em cartaz no Mezanino do Sesc Copacabana, de quinta a domingo, sempre às 20h30m, até  01 de fevereiro.